Gestire l'ansia da esibizione musicale per insegnanti e studenti

del Dott. Daniel Ramjattan
(DMA Università di Toronto, M. Mus, Università di Ottawa, B. Mus Università di Ottawa)
Docente di chitarra, insegnante di chitarra classica, Wilfrid Laurier University
Facoltà di chitarra, Royal Conservatory of Music Oscar Peterson School

Gli insegnanti di chitarra classica hanno ora accesso a risorse senza precedenti per aiutare i loro studenti a migliorare la loro fluidità tecnica e le loro capacità espressive come interpreti dello strumento. Tuttavia, la loro capacità di aiutare gli studenti a colmare il divario tra la qualità delle loro prestazioni sul palco e quella fuori dal palco rimane sfuggente. La letteratura clinica descrive questo deficit come il risultato dell'ansia da prestazione musicale (AMP), che rimane un'esperienza pressoché universale per i musicisti. L'AMP può spesso portare gli artisti ad abbandonare la loro carriera, ad avere devastanti crolli esecutivi e altro ancora. I sintomi, fin troppo familiari per musicisti professionisti e amatoriali, includono mani tremanti, un picco della frequenza cardiaca, mani fredde e molto altro. Se quasi tutti i musicisti sperimentano questo prima o poi, considerarlo una malattia o un disturbo trascura il fatto che ognuno di questi sintomi può essere adattato e gestito con la pratica quotidiana. Nell'ambito limitato di questo breve articolo, spero di aiutare i lettori a sviluppare alcune strategie pratiche per aiutare i loro studenti con l'ansia da prestazione musicale, basate sulla mia esperienza e sulla mia ricerca.

Nella mia tesi di dottorato, intitolata "Music Performance Anxiety on the Classical Guitar: Expert Strategies from Psychology and Pedagogy" (Ramjattan, 2022), ho esaminato quattordici diversi testi scritti da insegnanti di chitarra classica di livello universitario e ho confrontato le loro strategie per affrontare l'MPA con diversi trattamenti sottoposti a revisione paritaria all'interno e all'esterno del campo della psicologia. Avendo trovato solo quattordici testi che trattavano l'argomento, nonostante un'esaustiva revisione che abbracciava oltre 200 anni di testi scritti, ho scoperto che gli autori raccomandavano:

1. Preparazione adeguata e padronanza di tutte le sfide tecniche in ogni brano del proprio programma,
2. Registrare se stessi, simulare giurie/audizioni e frequenti esibizioni in ambienti progressivamente impegnativi in ​​preparazione di un evento importante
3. Scegliere un repertorio appropriato alla propria comprensione tecnica e musicale
4. Riduzione delle tensioni inutili e utilizzo di esercizi di respirazione
5. Visualizzare sezioni della musica e riprodurle nella propria mente
6. Confidando nella propria preparazione, e
7. Mantenere attivamente un atteggiamento positivo verso la pratica e il piacere della musica

La letteratura psicologica ha ampiamente riecheggiato questo approccio, con strategie provenienti dalla terapia cognitivo-comportamentale, dalla terapia di accettazione e impegno e dalla psicologia dello sport che hanno mostrato il maggiore supporto clinico. Scrivendo tre anni dopo, ho notato che la maggior parte delle strategie per aiutare le persone a gestire l'MPA ruota attorno allo sviluppo di tre costrutti fondamentali attraverso esercizi pratici con gli studenti.

La prima, la flessibilità psicologica , consiste nell'aiutare gli individui a muoversi coraggiosamente nella direzione dei propri valori, anche quando attraversano momenti difficili. Poiché la musica è immensamente importante per noi, significa anche che ha il potenziale per sbloccare le nostre paure più profonde. Avendo investito così tanto tempo e impegno nella musica, ogni esibizione può sembrare una prova per determinare se il nostro investimento ne sia valsa la pena. Pertanto, la nostra sofferenza, come costrutto separato dal dolore, può essere vista come un comportamento che ci spinge a fuggire o evitare le difficoltà che incontriamo nel perseguire i nostri valori. La flessibilità psicologica ci chiede di praticare e migliorare la nostra capacità di notare i nostri pensieri, sentimenti, sensazioni corporee e reazioni fisiche, e di elaborare piani chiari, concreti e quotidiani per andare nella direzione dei nostri valori. Infine, ci chiede di notare i nostri pensieri e di separarli dalla nostra identità, anche se emergono da un sé in continua evoluzione. La terapia di accettazione e impegno (ACT) è un protocollo di trattamento che ha dimostrato successo in migliaia di studi su varie forme di ansia e ansia da prestazione musicale e, invece di puntare a ridurre i sintomi, mira a sviluppare la flessibilità psicologica dell'individuo per aumentarne il benessere generale nonostante le difficoltà.

Il secondo costrutto importante riguarda l'autocompassione . Ciò significa essenzialmente trattarci con rispetto e parlare a noi stessi come un grande insegnante parlerebbe a uno studente. Questo concetto implica credere nella nostra capacità di avere successo e nella nostra intrinseca bontà, e credere di essere intrinsecamente meritevoli di amore, indipendentemente dalla nostra produzione musicale.

Il terzo e altrettanto importante costrutto riguarda la tenacia mentale . Questa può essere affrontata attraverso la comprensione delle quattro C (Perry):

1) Sviluppare un locus of control interno, che implica la nostra capacità di assumerci la responsabilità di migliorare i nostri successi e fallimenti senza cercare scuse o crogiolarci nell'autoflagellazione.

2) Sviluppare fiducia nella nostra capacità di avere successo, avendolo già fatto in passato. Significa anche avere fiducia che, qualunque difficoltà si presenti, abbiamo la forza mentale per superarla.

3) Puntare intenzionalmente ad affrontare sfide di livello più elevato nel nostro campo per crescere e superare i nostri limiti,

4) Impegno a rispettare i piani che abbiamo stabilito per noi stessi e a riprenderci quando ci allontaniamo da essi.

Nel complesso, flessibilità psicologica, autocompassione e forza mentale non sono stati mentali fissi che acquisiamo una volta e conserviamo per sempre. Come la chitarra, dobbiamo esercitarci quotidianamente e, come un muscolo, crescono quando vengono usati e si restringono quando vengono trascurati. Fortunatamente, credo che la chitarra possa diventare un mezzo per migliorare queste capacità e renderci persone migliori, più felici e più realizzate.

Tre modi in cui possiamo aiutare gli studenti a prepararsi per le lezioni MPA

#1: Utilizzare i dispositivi di registrazione come strumento fondamentale

Uno dei tanti modi in cui possiamo aiutare gli studenti ad abituarsi alla sensazione di esibirsi sul palco è registrarli, o farli registrare mentre suonano il loro repertorio. Possiamo usare questo strumento per molteplici scopi, per sviluppare flessibilità psicologica, autocompassione e forza mentale contemporaneamente. Questo può avvenire in una fase di pre-ascolto e di ascolto.

Subito dopo aver terminato la registrazione, nella fase di pre-ascolto, gli studenti possono annotare alcuni dei pensieri, sentimenti e sensazioni provati durante l'esecuzione, finché il ricordo rimane fresco nella loro mente. Hanno avuto pensieri particolarmente "rumorosi"? In tal caso, incoraggiate gli studenti a notare che i pensieri, pur essendo certamente reali, non sono necessariamente veri. Solo perché hanno avuto il pensiero "Sto sbagliando tutto", non significa che la registrazione ne mostrerà la prova. Con questi pensieri "rumorosi", incoraggiate lo studente a scrivere le parole "Sto pensando che..." prima di annotare il pensiero "rumoroso". Questo li aiuta a capire che i pensieri emergono da loro, ma non sono loro.

Prima di proseguire, chiedete allo studente se ha avvertito sensazioni di disagio nelle sezioni principali e come ha reagito. Se il disagio è emerso da una tensione inutile, osservarlo e affrontarlo direttamente in quel passaggio musicale aiuterà a risolvere immediatamente problemi tecnici e musicali e a ridurre il disagio in quei passaggi. Se il disagio non deriva da sforzi eccessivi o tensione, chiedete allo studente di etichettare tali sensazioni, come "battito cardiaco accelerato", "sudorazione", "mani fredde", annotarle e riconoscere che potrebbero ripresentarsi nella prossima esibizione, ma non comprometteranno necessariamente la sua performance se si prepara. Per aiutarlo a prepararsi a queste sensazioni, può esercitarsi a eseguire una sezione del suo programma dopo aver corso su e giù per le scale, ad esempio, per abituarsi a suonare con una frequenza cardiaca più elevata, o a passare le mani nell'acqua fredda prima di suonare un brano. Queste cose dicono allo studente che il problema deriva dalla sua reazione, non dai sintomi, e quando questi fenomeni si presentano inevitabilmente durante le esibizioni, non ne sarà sorpreso e non ne sarà compromesso.

Successivamente, nella fase di riproduzione, chiedete allo studente di ascoltare la registrazione con il quaderno ancora in mano. Chiedetegli di scrivere critiche costruttive, prive di insulti e complimenti superficiali. Chiedetegli di annotare almeno due punti positivi dell'esecuzione e almeno due aspetti che vorrebbe migliorare. È importante che lo studente parli a se stesso come un buon insegnante. Non dovrebbe fare complimenti o insultare chi suona la chitarra, ma dovrebbe complimentarsi o criticare il contenuto dell'esecuzione con specificità e con il minimo di iperboli. Ad esempio, invece di dire "Ho suonato malissimo", può scrivere "Nella sezione A, le battute 5-6 presentavano molti errori poco chiari". Allo stesso modo, invece di dire "Ho suonato in modo straordinario", può scrivere "Ho davvero azzeccato le dinamiche e i cambi di accordo nella sezione B". Dopo ogni critica, gli studenti dovrebbero sentirsi preparati, insieme all'insegnante, a trovare soluzioni per migliorare le sezioni meno riuscite.

#2: Incoraggiare gli studenti a suonare la chitarra con la sicurezza con cui tengono un cucchiaio

Molti studenti che hanno difficoltà con l'MPA tendono ad avere un atteggiamento timido o poco assertivo. Di solito si descrivono come insicuri, il che può spesso influire sulla loro presenza scenica. Ciononostante, quasi tutti gli studenti che hanno l'uso di tutti e quattro gli arti dimostrano una reale sicurezza quando tengono in mano un cucchiaio. Infatti, il loro livello di sicurezza consente loro di tenere in mano un cucchiaio senza nemmeno contemplarne la presenza. Spesso riescono a guardare un programma televisivo o persino a concentrarsi leggendo un libro tenendo in mano un cucchiaio! Questo livello di sicurezza può emergere solo come risultato di uno sforzo costante e concentrato in un periodo di tempo in cui non sono ancora in grado di ricordare.

Allo stesso modo, suonare con sicurezza emerge dalla comprensione di ogni passaggio musicale con la stessa sicurezza che si ha quando si tiene in mano un cucchiaio, al punto da poter cantare la musica in solfeggio mentre si suona, contare mentre si suona e persino sostenere una semplice conversazione o fare calcoli aritmetici di base mentre si suona un passaggio che si conosce bene. Tuttavia, sviluppare questo livello di sicurezza richiede un profondo livello di pratica deliberata che cerchi di padroneggiare ogni minimo dettaglio della musica, invece di concentrarsi su ampie sezioni o suonare il brano dall'inizio alla fine. Richiede che lo studente abbia una comprensione completa di ogni battuta, e persino di ogni battito, della musica, a livello tecnico e musicale. In generale, questo significa che suonare una sezione dieci volte di seguito senza errori significa che le probabilità di commettere un errore di fronte agli altri rimarranno minime. Al contrario, se uno studente riesce a suonare solo una parte della musica con successo, con fluidità musicale e tecnica, in un tentativo su dieci, la logica impone che le probabilità non siano certamente a suo favore quando suona il passaggio dato davanti a un pubblico! Infatti, a parità di condizioni, è molto probabile che giochino leggermente peggio di quanto giochino in sala prove, se si allenano in un ambiente confortevole, senza nessuno che li guardi!

#3: Incoraggiare gli studenti a rilasciare la loro tensione psicologica

Molte delle persone che eccellono nella musica e la perseguono più seriamente, sia professionalmente che nelle scuole di musica, vi diranno di aver trovato il loro rispetto per se stessi suonando per gli altri. La maggior parte degli studenti che ho incontrato alle scuole di musica mi dirà che, intorno all'adolescenza, la musica sembrava fornire loro capitale sociale. Permetteva loro di entrare in contatto con persone interessanti e attraenti e spesso conferiva loro premi, sia economici che di altro tipo, che comunicavano implicitamente il messaggio che la qualità della loro performance determinava la loro autostima. Se suonavano bene, diventavano meritevoli e degni di amore, e spesso questo si traduceva in un maggiore accesso ad amici, interessi romantici, attenzioni da parte dei coetanei e delle persone care, e altro ancora. Sfortunatamente, questa identità musicale, quando minacciata da una cattiva performance, da un feedback negativo da parte di un insegnante, di un giudice o di un membro del pubblico, rappresenta un rischio significativo soprattutto per i giovani musicisti. Pertanto, una performance scadente farà letteralmente sentire questi musicisti inutili: spesso si descriveranno come "musicisti spazzatura" o "giocatori spazzatura".

Niente potrebbe essere più lontano dalla verità. Suoniamo, condividiamo, creiamo musica, ma non siamo la musica. Essa emerge da noi, come i nostri pensieri e le nostre azioni, ma non può essere l'unico aspetto dell'essere di una persona. Separare la qualità della nostra esecuzione dalla nostra identità diventa cruciale per i musicisti e può avvenire solo in sala prove e durante le lezioni. È importante che l'insegnante faccia questa distinzione da solo e si renda conto che distinguere tra la nostra identità e la musica che creiamo migliorerà il nostro modo di suonare, prevenendo la tensione psicologica. Possiamo interpretare questa tensione psicologica come le aspettative immaginarie che abbiamo per noi stessi e che gli altri hanno per noi, e la profonda convinzione che un successo o un fallimento determinino il nostro valore come individui. Quando gli studenti riducono questa tensione liberandosi dal desiderio di impressionare gli altri, il loro ego smette di ostacolare la qualità della loro esecuzione e, ironicamente, provano più apprezzamento, gratitudine e genuino piacere nell'esecuzione.

Per facilitare questa separazione, Kenny Werner (1996), nel suo libro Effortless Mastery, chiede agli insegnanti di fermare gli studenti quando mostrano visibilmente frustrazione o rabbia verso se stessi mentre affrontano un passaggio difficile. Fermateli; incoraggiateli ad abbassare le mani e a riporre lo strumento in un luogo sicuro. Chiedete loro di aspettare finché non sentono il sangue pompare nelle punte delle dita. Poi chiedete loro di dire ad alta voce: "Mi libero dal desiderio di impressionare gli altri". Quindi, osservandosi in terza persona dalla parte posteriore della propria testa, chiedete loro di suonare di nuovo il passaggio. Rilasciare questa tensione psicologica nella musica renderà la musica più fluida ed elegante e comunicherà che gli studenti sono più della musica stessa, e che liberare il proprio ego, non alimentarlo, li aiuterà a raggiungere il loro massimo potenziale.

Riferimenti:

Ramjattan, DM (2022). Ansia da esecuzione musicale con la chitarra classica: strategie esperte in psicologia e pedagogia (tesi di dottorato). Università di Toronto. ProQuest Dissertations & Theses Global. 10.13140/RG.2.2.20681.01125.

Werner, K. (1996). Padronanza senza sforzo: liberare il maestro musicista che è in noi . Jamey Abersold Jazz.